Il parere dei lettori: la musica contemporanea forse non è morta, ma......

Matthias Stom- La guarigione di Tobia
Accademia Carrara, Bergamo

Il mio recente post La musica contemporanea è morta ha provocato una elevatissima, inaspettata quantità di commenti, sia su questo blog che in forma privata.
Cercherò qui di tirare le fila dei vari interventi, individuandone i punti comuni, e le proposte avanzate.  Spero di fare una cosa utile. 

 Ma il dibattito continua.. 

"Tutta la musica è contemporanea."

La tesi di fondo del mio post, la constatazione della radicale perdita di valore socialmente e culturalmente condiviso di questa forma di arte, ha trovato sostanzialmente d'accordo tutti i commentatori.

Come ho ripetutamente chiarito, viene qui posto l'accento sull'aspetto "sociologico" di tale stato di fatto, prescindendo da valutazioni di ordine estetico sulle opere di  questo o quel singolo compositore, che rischiano di complicare molto la discussione.

I lettori di questo blog insomma non ritengono una illusione ottica il semplice dato condiviso dai più: la Mus. Cont. "accademica", o "colta", non è (ancora) morta, ma ha visto negli anni ridursi progressivamente la platea dei suoi sostenitori, e più in generale l'interesse della società e dei media; tranne che, aggiungo io, in occasione di eventi particolarmente importanti, per la presenza di interpreti famosi, oppure perchè organizzati da festival o istituzioni il cui prestigio o la cui grande risonanza mediatica fanno premio sull'evento in sè.

Le analisi di tale situazione hanno sfumature diverse nei vari commentatori, ma sono omogenee in almeno alcuni punti, che mi sforzerò qui di riassumere, chiedendo  loro scusa se non sono sempre in grado di attribuire  in dettaglio a ciascuno la sua citazione (dovendo "cucirle" con parti di testo scritte da altri, o da me).

I. Il messaggio "forte"
Fabio Selvafiorita, con molti altri, sintetizza bene l'essenza dell' avanguardia, con queste parole: la dignità e il prestigio di una espressione artistica sono la conseguenza, a posteriori, di un messaggio estetico "forte", che però è tale quando riesce a mettere in moto nella società un sistema di condivisione di valori e di linguaggi.

Il valore  sociale e artistico di una musica si realizza pienamente quando non riguarda soltanto me, ma anche te, noi, in un contatto che può essere di piacere, di provocazione, di contestazione, di rabbia, di affermazione. L'avanguardia, di cui oggi molti hanno giustamente nostalgia, ha incarnato questi valori: non cercava un rapporto privilegiato con il pubblico, o di piacere superficialmente: aspirava, più semplicemente,a proporre al pubblico un modo diverso, più attento e più aperto, di considerare il fatto musicale come un nucleo di energia, una metafora estetica del mondo reale e delle sue forze vitali  in azione.

Luciano Berio

Io vorrei fare un esempio concreto, per chiarire il  senso di quanto ho detto: se dovessi citare una composizione che ritengo la più altamente paradigmatica di ciò che è stata e dovrebbe continuare ad essere la migliore Mus.Cont., citerei  senza alcuna esitazione Sinfonia, di Luciano Berio.  

Questa composizione nasceva, nel 1968, in contesto sociale turbolento, nel pieno di forti lacerazioni sociopolitiche: la guerra del Vietnam, il Maggio francese, le lotte operaie.. insomma, come direbbero  i  marxisti,  in una fase di dura ristrutturazione del sistema capitalista, con molteplici tensioni interne e internazionali. 

In tale contesto, Sinfonia appare oggi come il condensato, e forse anche la  sintesi dei complessi fermenti sociali e culturali del suo tempo, mirabilmente calati nel linguaggio instrinseco della musica. In Sinfonia, Berio ha utilizzato in maniera rigorosa, ma estremamente creativa, tutte le tecniche compositive di cui aveva bisogno: dalla serialità della Neue Musik, liberamente interpretata, al Patchwork, al diatonismo, alla tonalità.. In un certo senso, Sinfonia è la summa  delle risorse tecniche dell'epoca, in costante, profondo rapporto con la Storia. Già il titolo, in un epoca di duro sperimentalismo, suona come un omaggio alla tradizione: sinfonia! Se ci pensiamo oggi, ci voleva un bel coraggio... Ma poi apriamo la partitura, e cosa vediamo? Testi di Lévi-Strauss e di Beckett, riferimenti a De Martino, a Martin Luther King: antropologia, strutturalismo, filosofia dell'esistenza e culture "altre", come si diceva allora. 

E poi, nel terzo movimento, l'apoteosi della musica eterna, il "tout se tient", passato e presente insieme: prendendo come mezzo di navigazione, si potrebbe dire, lo scherzo  della II sinfonia di Gustav Mahler, eccoci  imbarcati  in un fantastico viaggio a Citera in compagnia di Bach, Berlioz, Bruckner, Ravel, Stravinskij, Debussy, Hindemith, Stockhausen, Boulez, Berio stesso autocitandosi.. il tutto integrato e interconnesso con suprema craftmanship. 

Quale migliore viatico, per noi viaggiatori del XXI secolo?

Sinfonia è veramente una delle punte più alte della musica "contemporanea", in un periodo ben specifico della storia recente. 

Chi volesse approfondire questa fondamentale composizione del XX secolo può leggere l'esauriente analisi che ne ha fatto David Osmond-Smith nel suo bel libro Suonare le parole - guida all'ascolto di Sinfonia (Torino 1994)  

II. Cosa è  successo  dopo?
Come hanno sottolineato molti lettori, alla metà circa degli anni ’70, la Mus.Cont. è entrata in una fase ‘manierista’ e non ha più avuto quei sussulti, quelle spinte propulsive, quelle scoperte potenti e originali che aveva in precedenza. Una miriade di compositori è venuta alla ribalta negli anni '80, senza però che siano emersi nuovi nomi-guida indiscussi.

Dagli anni '80 e fino a oggi, insomma, emerge come una stanchezza, un esaurimento della carica innovativa: mancano le idee forti, nella musica come nelle varie forme d'arte, e anche nelle discipline scientifiche: manca una visione d'insieme, e collettiva,  del progetto cui si intende lavorare: insomma,  manca una visione del futuro.  

Non è un caso che proprio attorno a quegli anni sia apparso sulla scena filosofica italiana il cosidetto Pensiero debole (per inciso, è curiosamente degno di nota che il principale esponente italiano del Pensiero debole sia quello stesso Gianni Vattimo, oggi parlamentare europeo della sinistra radicale, di cui sentiamo le appassionate, infuocate filippiche di ispirazione marxista: che appaiono tutto il contrario della debolezza di pensiero....)
La Mus.Cont. si è insomma "istituzionalizzata" tradendo lo spirito d'avanguardia originario, subordinando le esigenze della sperimentazione continua alla conservazione di uno status estetico-politico-sociale dei suoi protagonisti, e del suo sistema distributivo: e talvolta, se non spesso, in questa autoconservazione assumendo caratteri oggettivamente "reazionari".

"Tutto è Pop? "

III. E intanto.....

Parallelamente a questo processo di involuzione si verifica l’esplosione del fenomeno Pop: un linguaggio che, ad onta della sua vocazione commerciale, si è rapidamente differenziato in una miriade di correnti che vanno dalle più commerciali della musica leggera alle più sperimentali. 

Una parte maggioritaria del pubblico giovanile è andata lì a cercare la sua musica.

Il compositore e musicologo Marco Lenzi avanza, a questo proposito, una tesi vagamente "apocalittica" a mio giudizio:

Pop è l'intero spazio entro il quale vive tutta la musica oggi. Pop non è soltanto un modo di fare musica, ma anche un modo di ascoltarla. Siamo nel 'pop' come i longobardi erano nel medioevo e gli enciclopedisti nell'illuminismo.

Il Pop è insomma l' ecoambiente, l'environment nel quale siamo  costretti a vivere e al quale non ci possiamo sottrarre, come l'aria che respiriamo.  

l'Autore, l'Opera, il pubblico in religioso ascolto nella sala da concerto: è tutto finito, perchè oggi è tutto POP, anche la Mus. Cont. 

E il mercato Pop è ormai lo stesso per i musicisti di ogni diverso linguaggio: classica, pop, jazz, avanguardia, World music, computer music...i canali di distribuzione sono lì, a disposizione di tutti: myspace, facebook, i-tunes, i-pod e tutto il resto. 

Un qualsiasi compositore oggi 'rilevante' nella musica contemporanea non è "più bravo", più raffinato, più "artisticamente valido" di Bjork, di Aphex Twin o di Tricky. Lo scettro "creativo" della stagione della Neue Musik è stato raccolto oggi dalla scena sperimentale, e permette anche ad un numero non trascurabile di persone di poter "vivere di musica". (Sound Art, Sound Design, Ambient-Glitch, Musique Concrète, Impro-Noise etc, che abbiamo cercato di documentare nel post Una panoramica sulla musica contemporanea non accademica). 

E l'attuale pubblico, che popola e utilizza in massa i vari media, nella sua parte più raffinata non è per niente omologato, contrariamente a quanto si pensi, ma opera con competenza le proprie scelte, attingendo dai banchi di un gigantesco "supermercato" musicale, quali mai prima si era visto nella storia della musica.

Mentre il musicologo Franco Fabbri mi segnala la recente istituzione, ad opera del Festival Angelica di Bologna, del nuovo Centro Italiano di ricerca musicale, dal canto suo Francesco Giomi, direttore del centro di ricerca Tempo reale di Firenze , fondato proprio da Luciano Berio, in un recente intervento scrive a proposito della ricerca e della sperimantazione:

"Una musica sostenibile è capace di ripensare il proprio modo di essere e di proporsi, connessa a quei processi di trasformazione positiva della società che stanno condizionando il nostro tempo storico. In tutto questo la ricerca gioca un ruolo centrale, culmine di un pensiero creativo, innovativo e consapevole che non vuole negare la tradizione ma che, appoggiandovisi, cerca di costruire il futuro suono del mondo. Per questo percorso i poli di sperimentazione (sostenuti pubblicamente) sono fondamentali per l’evoluzione di un linguaggio, attraverso la circolazione delle idee, le proposte innovative, il coraggio di tentare strade inesplorate e la disponibilità ad attivare nuove relazioni."    

  

Desidero inserire qui una mia nota a margine: ritorna prepotentemente in campo tutto il dibattito degli anni '50 e '60 sul rapporto tra cultura "alta" e cultura "bassa". Personalmente, temo che di quella generosa volontà di avvicinare la Cultura alla cultura ne abbiamo fatto eccessivamente un feticcio, e abbiamo finito col livellare il terreno, mettendo sullo stesso piano cose troppo diverse, sia come natura funzionale che come qualità, col risultato che adesso non si capisce più cosa vale e cosa no. 
Io mi sentirei di dissentire decisamente dalla posizione di  Lenzi: NON E' tutto uguale, Sting non "vale" quanto Schoenberg, o Berio. Sono livelli qualitativi ben differenti. 

Dal canto suo, il pianista e compositore Daniele Lombardi ha una posizione molto netta in proposito: a suo parere "dagli anni '80 in poi tutte le epressioni musicali, dalle più criptiche e misteriche alle più banali e mercificate, si sono fuse in una marmellata che impasta tutto nel segno di un plaisir de l’écoute, e d'altro  canto a chi si dedica a ricerca e innovazione è consentito perdere la memoria, non sapere, inventare anche l’acqua calda, purché si canalizzi subito in processi facilmente comunicativi."

La modernità ha velocizzato la concezione del tempo: non abbiamo più tempo per ascoltare con attenzione. Siamo schiavi dello zapping percettivo, della nostra memoria corta e del bassissimo livello di concentrazione nell'ascolto, che è ritornato a essere prevalentemente emotivo. 

Tutto ciò avviene anche come risultato di un preciso, consapevole progetto politico messo in atto dal Potere: lo sfruttamento della "cultura", omologata a tutti i livelli a fini immediatamente commerciali, e di controllo politico delle menti. Dove la gente smette di pensare, è più facile instaurare la dittatura a vantaggio di pochi.  

IV. Cosa bisognerebbe fare, a questo punto ?
Se per qualcuno il problema principale è "la separazione tra sperimentazione e ricerca, che paiono scollate....io sarei per una "musica reservartissima", ars nova perennis et universalis, per onorare la tradizione dell'ars musica occidentale"... e ci domanda provocatoriamente "Quanto siete disposti a morire? Perchè il cambiamento che chiedete a gran voce non è percorribile, men che meno quello di Tutino", per altri serve sopratutto un forte rilancio dell' educazione musicale. 

"L’unica speranza è lavorare su una fascia di età che non supera i primi dieci anni, sulla formazione per orecchi piccoli e delicati, con la coscienza della necessità di costruire una vera par condicio tra i generi musicali: ma distinguendo le categorie."

Poichè, però,questo ambizioso rinnovamento dell'educazione musicale fin dall'infanzia è un Vaste Programme, un investimento di lungo periodo, nel frattempo urgono misure più immediate: e a questo riguardo praticamente tutti auspicano maggiori aperture, da parte delle istituzioni musicali e dei festival, a quanto accade nel complesso mondo della "sperimentazione", di tutte le tendenze.

E naturalmente, è comune a tutti il desiderio che la TV, pubblica o privata, trasmetta più concerti di ogni tipo, e fornisca strumenti informativi adatti al pubblico televisivo, come aveva meritoriamente fatto Luciano Berio con le sue bellissime trasmissioni RAI dal titolo C'è musica e musica. 

E Daniele Lombardi aggiunge: oggi, in questa cultura generalista di massa, è fondamentale ridiscutere la funzione della musica, separare i campi senza più confusione tra intrattenimento ed impegno, tra passatempo e arte. L’arte può essere uno dei migliori passatempi, ma il passatempo, nato come tale nei suoi confini e le sue leggi formali, molto difficilmente può essere arte, e questa distinzione è culturalmente necessaria, si direbbe indispensabile: una forma di antifascismo, una vera politica culturale impegnata.

V. a mo' di  conclusione (molto) provvisoria..
Concordo  con  Lombardi: innanzitutto, non si può fare di tutte le erbe un fascio. Occorre distinguere la ricerca dal passatempo commerciale, che spesso  si traveste da "avanguardia". 

Ma nell'ambito della musica "di ricerca" abbiamo visto che coesistono molteplici  stili e linguaggi. Il particolare genere chiamato convenzionalmente Musica Contemporanea nasce nelle"accademie", nei conservatori, nelle "istituzioni", e presuppone - salvo rari casi storicamente molto limitati - l'utilizzo esclusivo della notazione quale mezzo per la codifica, trasmissione, insegnamento, esecuzione.
Accanto a questa musica esistono altri linguaggi "di ricerca" altrettanto degni di attenzione: magari i loro strumenti non sono più quelli tradizionali, ma sono invece i computers. Le loro opere corrono principalmente sul web, e hanno  canali propri di distribuzione,  al di  fuori  del mondo musicale istituzionale.
Bene, prendiamo atto finalmente che questi linguaggi hanno pari dignità  artistica, e che possono in egual misura comprendere dei capolavori che parlino al cuore degli  uomini.


Quindi: non è "tutto finito". Ma NON è "tutto uguale". 
E' indispensabile ritornare a distinguere la qualità, caso per caso: senza occhiali ideologici, senza pregiudizi estetici.
E vorrei  aggiungere: è indispensabile ricostruire la dignità culturale e sociale dei musicisti che non intendano essere direttamente, univocamente legati alla catena del profitto. Che cercano di sfuggire all' alternativa oggi apparentemente inevitabile: mercificazione (reificazione, per dirla con Adorno) della loro opera (magari sotto l'ambigua etichetta di Musica Contemporanea Popolare?!?), oppure neo-manierismo "contemporaneo" conservatore, oppure ancora sdegnata emarginazione dalla scena culturale.  

Forse i direttori artistici "illuminati", coraggiosi (e ce ne sono!) sono importanti, ma non sufficienti.

E' probabile che ciò che ci attende, qui nella parte debole dell'Europa, sia una progressiva uscita dello Stato dalle imprese culturali, sul modello americano. Andiamo incontro ad una diminuzione radicale dei finanziamenti disponibili per la cultura e per la musica, e ad una trasformazione conseguente di tutto il panorama istituzionale.

Ma ritirarsi in una specie di "Aventino" musicale, dichiarare persa la partita e abbandonare il campo delle istituzioni musicali "tradizionali" (teatri d'opera, sale da concerto, società filarmoniche etc) per rifugiarsi nelle cantine come novelli carbonari del XXI secolo, o esclusivamente sul web sarebbe un grave errore.
Anche perchè la musica da sempre ha la sua dimensione più giusta nella performance dal vivo, con musicisti presenti fisicamente, davanti  a un pubblico  cui  trasmettere le emozioni, con il quale comunicare senza intermediazioni.    Una politica culturale e musicale seria deve ritrovare un rapporto autentico, vivo con i fruitori della musica, confrontandosi con le mutate condizioni del circuito istituzionale, cercando di parlare al pubblico, a tutto il pubblico, con opere realmente moderne, che tocchino i temi della vita, della società ... un po' come fa il migliore cinema contemporaneo.

Con questa speranza nel cuore potremmo allora dire che la musica contemporanea non è morta.